El estreno en Cinépolis KLIC de Pitch Perfect 3: La última nota (que por cierto no llegó a salas de cine en nuestro país), funciona como una grata invitación para recordar interesantes e inusuales números musicales en el cine.
Instantes en que la música en la película nos transporta a otro lugar. Pero no necesariamente al final feliz, ni a situaciones políticamente correctas. En nuestra lista podremos encontrar reflexiones sobre sueños no realizados, distintas formas de controlar la opinión pública, alimentar el individualismo exacerbado o evocar la coexistencia con los animales o plantas menos plausibles.
Son melodías o canciones que han quedado plasmados en nuestra memoria colectiva.
La La Land: Una historia de amor (La La Land, 2016). Vela aquí en KLIC
Una película que contó con reconocimiento de la crítica global y una espléndida recepción del público cinéfilo. Uno de sus particulares encantos consistió en el homenaje a los musicales clásicos de Hollywood. Pero también a muchos otros filmes posteriores.
Una de las influencias que podemos encontrar estaría en la obra de Woody Allen. Como en Annie Hall: Dos extraños amantes, La La Land: Una Historia de Amor juega con la noción de amor entre dos personas que se atraen con la misma intensidad con la que se alejan. Ambas películas con un final agridulce y con la intensa nota -retratada en pantalla- de lo que hubiese sido si permaneciesen juntos. Una libertad fantástica que expresan sus personajes, a través de las miradas de sus directores.
Allen, replantea el final con una obra teatral de su alter ego Alvy Singer, en que la pareja permanece unida. “¿Y qué esperaban ustedes?”, dice Alvy directo a la cámara, “era mi primera puesta en escena. Ustedes saben que en el arte siempre hay que tratar de hacer las cosas perfectas. Porque hacerlas en la vida es verdaderamente difícil.”
En La La Land, el realizador Damien Chazelle plasma una realidad alterna que resultaría más grata, a través de la mirada y ensoñación de Mia (Emma Stone). Es posiblemente la secuencia consentida de la película, enmarcada con una melodía llamada “Epílogo”.
Chicago (2002). Vela aquí en KLIC
Chicago alude al clasicismo del musical de Broadway filmado. Pero muy bien filmado. Una de las secuencias que se distingue es la entretenida “We both reached for the gun”. Es el momento en que la infiel y homicida Roxie Hart (Renée Zellweger) se enfrenta a los reporteros, meticulosamente aleccionada por su astuto abogado Billy Flynn (Richard Gere).
Lo que vemos y escuchamos en pantalla es una crítica a la manipulación a la prensa, en una elegante y brillante caricatura. Con una ágil edición, las imágenes alternan entre la conferencia de prensa y su símil, donde los reporteros son marionetas y el abogado un eficaz titiritero y ventrílocuo. El momento y la canción son de Gere, mientras entona las palabras que debiesen salir de su defendida. El truco funciona. No sólo logran viciar la opinión pública, sino que convierten a Roxie en estrella mediática.
Moana: Un mar de aventuras (Moana, 2016). Vela aquí en KLIC
¿Quién hubiera imaginado que uno de los momentos más divertidos de Moana sería el número musical interpretado por Dwayne Johnson? Con la canción “You’re welcome”, el filme nos presenta a Maui como un incorregible ególatra, egoísta y transa semi Dios, mientras The Rock ofrece una inadvertida y ocurrente interpretación melódica.
Maui presume sus logros y dice -sin pena, ni decoro- “de nada” después de cada uno de ellos. En realidad, el desfachatado personaje está fraguando cómo robar le embarcación de Moana. Los animadores tomaron movimientos y poses de la trayectoria en la lucha libre de The Rock para el baile de Maui, así como su emblemático movimiento de ceja levantada.
La técnica del 2D, destaca a través de Mini Maui, como un animado tatuaje reviviendo proezas en el voluminoso cuerpo. También en 2D y a la vez que rapea hazañas legendarias, nuestros ojos se deslumbran por el vertiginoso y alucinante final.
Encantada (Enchanted, 2007). Vela aquí en KLIC
Encantada es una entrañable autocrítica de Disney hacia los cuentos de hadas, los finales felices y los amores a primera vista. La transición entre personajes animados de un reino fantástico a individuos de carne y hueso en la indiferente ciudad de Nueva York coloca en ocurrentes aprietos al Príncipe Edward (James Marsden) y a Giselle (Amy Adams), encantadora al pie de la letra.
Pero nada tan deliciosamente grotesco como “Happy working song” de Alan Menken (La Sirenita, La Bella y la Bestia), donde al vocal y melodioso llamado de Giselle acuden animales de la jungla urbana: ratas, moscas, palomas y hasta cucarachas. “Bueno, siempre es lindo hacer nuevos amigos”, dice la optimista Giselle con desencajada sonrisa. Cual alegre Cenicienta, y al compás de la canción, juntos limpiarán el departamento con vista a Central Park.
La tiendita de los horrores (Little shop of horrors, 1986). Vela aquí en KLIC
“Debe ser sangre, debe de ser fresca”, es lo que exige Audrey II, la voraz planta carnívora con la imponente voz de Levi Stubbs. “¡Aliméntame Seymour!”, le canta al debilucho florista interpretado por Rick Moranis. A partir de la elocuencia del hambriento vegetal, se crea un involuntario pacto para el desconcertado nerd. Un toma y daca que se expresa con la canción “Feed Me (Get It)”.
Cual Fausto ante el demonio o Aladino frente al genio, Seymour se somete a los designios de Audrey II, bajo la promesa de que sus deseos serán cumplidos. Es en este absurdo al borde de la locura, en que se desarrolla la disparatada película musical dirigida por Frank Oz.
